The computer peripheral market has always been more experimental at its edges than in the mainstream. Ergonomic trackballs, in particular, have attracted a devoted following among power users, but the options tend to cluster at two extremes: consumer-facing products with locked-down firmware, and niche open-source hardware that trades polished finish for deep customizability. Finding something that genuinely does both has rarely been straightforward.

Ploopy’s Adept trackball made a compelling case for the latter category, earning a loyal following with its open-source, 3D-printed design and QMK compatibility. But it always felt like it had more to say. Its circuit board had always reserved space for two more switches that never made it to production, and the base had slots for a wrist rest that never materialized. The A+ is that unfinished story, now finished.

Designer: Ploopy

The most visible addition is the button count. The Adept had six; the A+ has eight, two of which also function as knobs. Out of the box, the knobs handle high-resolution vertical and horizontal scrolling, but both are fully reprogrammable for other functions. That dual-purpose approach keeps navigation and control within a single hand without needing a separate scroll wheel or accessory sitting alongside it.

The gesture system is arguably the more interesting addition. Hold a button and flick the ball in any of eight directions, and the device fires a command. By default, the left knob activates cut, copy, paste, desktop switching, and media controls. For someone who lives inside a browser and a text editor all day, that’s a significant amount of functionality without ever lifting a hand off the device.

Layers add another dimension. The A+ has two: a navigation layer for everyday use and a control layer accessed via the right knob. The control layer handles on-device configuration, covering left-hand mode switching, toggling between high-resolution and stepped scrolling, and other adjustments. It’s the first trackball to bring this kind of layered behavior, working entirely without any software running on the host computer. There are also two bright LEDs that can be used to visually tell you what layer you’re on without having to rely on some embedded screen.

The detachable wrist rest is another long-promised feature that finally arrives with the A+. It slots in or out during use and can be screwed on permanently if preferred. The device stays ambidextrous throughout, and its 3D-printed shell means the community can print modified bodies, alter the layout, or swap in custom colors. That kind of adaptability isn’t an afterthought; it’s part of how the whole thing is designed.

The Pixart PMW-3360 sensor carries over from the Adept, running at a 1,000Hz polling rate with the tracking accuracy that has made it a standard for performance-oriented pointing devices. Omron D2LS-21 switches handle the physical buttons. The firmware remains QMK, configurable through VIA, with all design files, firmware, and assembly instructions freely available on GitHub. Kits start at $99 CAD.

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Every fabrication lab in the country is quietly accumulating a problem. Failed prints, test runs, leftover filament, the ghost of every prototype that didn’t make the cut. Most of it ends up in the bin. Architect Hyojin Kwon noticed this and, instead of moving on, asked a different question: what if all that discarded plastic could hold a note?

The result is Ninefold: A Distributed Resonant Field, a collaboration between Kwon’s design studio Pre- and Post-, percussionist and composer Jeremy Muller, and architect and material researcher Misri Patel. It’s currently on view at the Reeves House Visual Arts Center in Woodstock, Georgia, through September, and it is one of the more quietly radical things happening in design right now.

Designers: Hyojin Kwon × Jeremy Muller x Misri Patel

The installation is made up of nine large-scale forms, each one 3D-printed from discarded PLA collected from campus makerspaces and fabrication labs. The team shredded that waste into pellets, blended it with virgin material, and ran it through a pellet-based additive manufacturing process. The resulting objects are not identical. Some grow into tall, slender columns. Others widen into chambers or narrow toward their centers. Each carries its own texture, its own layered color variation from the mixed-batch sourcing, and its own distinct harmonic frequency. Together, they form a distributed sound field, meaning the sound is never coming from one place. It moves with you.

That last part is what makes this more than a sculpture show with a good concept. As you walk through the space, your position changes the acoustic picture entirely. Tones overlap, separate, recede. You’re not passively observing nine objects; you’re completing the field. The project draws on the thinking of composer Edgard Varèse, who called for “organized sound” as architecture, and on the spatial music systems of Iannis Xenakis and Le Corbusier. Those are not small reference points. They’re pointing at a lineage that treats space itself as a musical instrument, and Kwon, Muller, and Patel are building within that tradition using material that would have otherwise ended up as landfill.

The aspect of Ninefold that deserves real attention is how seriously it takes the material. The layered plastic isn’t hidden or smoothed over into something that looks deliberately “designed.” The texture is part of the expression. You can see the deposition, the color shifts, the history of what it was made from. The project doesn’t pretend the recycling didn’t happen; it foregrounds it. That honesty feels important at a moment when sustainability has become more of a marketing category than an actual practice.

The nine forms were also fabricated in modular sections, which means they can be transported, reconfigured, and reinstalled elsewhere. That might seem like a logistical footnote, but it matters: an installation about material longevity should probably have a long life. These objects weren’t made to be shown once and archived.

Ninefold is part of a dual exhibition that also includes Plastic Reimagined: Material Agency & Circular Design, developed with students from Georgia Tech’s graduate architecture program and curated by Carolina Cuevas. The full show runs through September at the Reeves House, and admission is free. If you’re near Woodstock, Georgia, it’s worth the trip. If you’re not, the images alone carry something worth sitting with. A lot of projects right now wear sustainability as a label. Ninefold actually earns it, and then manages to also be beautiful, which is rarer than it should be.

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ZHA has collaborated with Spanish design brand Nagami to create the Echo Chair, a 3D-printed seat made from recycled plastic waste. Formerly known as Zaha Hadid Architects, the studio developed the chair through parametric design and large-scale additive manufacturing. Its form is fluid and sculptural, with an arched backrest that extends towards the floor and a seat that curves upwards at the sides.

The two parts look separate at first, but they are printed as one continuous piece. Both surfaces grow from the same structural edge and share the same underlying geometry. One becomes the seat, while the other rises to form the backrest and support.

Designer: ZHA and Nagami

This continuous construction gives the chair a clear sense of logic. The shape is doing several jobs at once: supporting the body, holding the structure together, and defining the overall visual character.

The Echo Chair was developed through an iterative research process at ZHA Lab and manufactured by Nagami, a brand known for its work in large-format 3D printing. The studios used recycled PETG sourced from industrial waste, including single-use medical plastics.

As the chair is printed layer by layer, the process leaves a ribbed texture across its surface. Those lines have been kept visible rather than hidden or polished away. That decision gives the chair much of its character. The texture follows the curves closely and makes the manufacturing process easy to read. It also gives the recycled plastic a more tactile, less generic appearance.

There is something useful in that honesty. The material is not being forced to look like timber, stone or metal. It keeps the visual qualities created by the printing process and uses them as part of the design. The surface does still reference natural materials in a subtle way. Its layered finish recalls mineral formations and carved stone, which helps the chair feel less industrial when placed in an interior.

ZHA and Nagami developed four colourways for the chair: white, black, a white-to-translucent gradient and a caramel tone made using a bio-based cork composite. The colour choices help shift the mood of the design. White makes the form feel lighter and more architectural, while black gives it a stronger, more graphic presence. The translucent version draws attention to the printing layers, and the caramel finish adds warmth to what could otherwise feel like a very technical object.

The caramel version is especially successful because it softens the synthetic quality of the plastic. It feels easier to imagine in a home, hotel lobby or lounge space, rather than only in a gallery or design exhibition. According to ZHA project design director Sebastian Andia, the goal was to turn an abundant and overlooked material into something people would genuinely want to live with. That idea matters because recycled material alone is rarely enough to make a product successful. People still need to like the object, find it comfortable and see a place for it in their environment.

The Echo Chair handles this well. Its sustainable story supports the design, rather than becoming the whole design. The seat’s raised sides create a more enclosed sitting position, while the curved backrest gives the chair a supportive and almost cocooned feel. The shape is expressive, but it still looks usable. Its scale and neutral colour options also make it easier to place than the form might suggest. It has enough presence to work as a statement piece, yet it does not depend on bright colour or decoration to stand out.

The 3D-printing process allows the chair to be produced without visible joints or separate components. This gives it a seamless appearance and keeps the connection between the digital model and final object very direct.

That connection is one of the strongest parts of the project. The manufacturing process does not sit behind the design. It shapes the design. The ribs, curves and continuous structure all come from the same production method. Each part of the chair feels related because it has been developed through the same system.

The Echo Chair continues ZHA and Nagami’s existing collaboration. Nagami launched its first collection of 3D-printed chairs in 2018, which included two designs by the architecture studio. Their latest project shows how much more refined large-scale 3D printing has become. The chair feels less like a technical experiment and more like a finished product with a clear place in contemporary interiors.

The Echo Chair is currently on display as part of London Creates at The Truman Brewery. What makes the chair interesting is the way it brings together material, form and manufacturing without overcomplicating the idea. Recycled plastic is treated as a starting point for the design, rather than something that needs to be disguised.

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Alors celle-là, c'est la meilleure ! Conroyy Jenkinss en avait tellement marre que sa famille lui vide la batterie de sa Steam Deck sans jamais la recharger qu'il a fini par coller des pics et un taser dessus. Oui, un taser, le mec est fou !

Il a posté son truc hier sur r/SteamDeck en racontant comment il s'y est pris. "J'en avais marre que ma famille vide toujours la batterie de ma console sans la recharger", donc il a modélisé une coque hérissée de pointes dans Blender, l'a imprimée en 3D et l'a clipsée sur la bête. Plus moyen comme ça de la tenir en main confortablement.

Vous allez me dire qu'il exagère, sauf qu'une Steam Deck n'est plus vraiment l'objet qu'on prête à la légère. Le modèle OLED 1 To est passé de 649 à 949 dollars, du jour au lendemain, à cause de la flambée du prix des composants donc à ce tarif, je comprends qu'il y tienne plus qu'à ses propres gosses ^^/

Sauf que la coque à pointes ça ne lui suffisait pas. Il a donc branché un Raspberry Pi avec un petit haut-parleur, une caméra de détection d'objets et un servomoteur, puis écrit un script Python.

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<a href="/steam-deck-taser-pics-anti-famille/steam-deck-taser-pics-anti-famille-1.mp4">lien vers la vidéo</a>.

J'ai jamais fait construire de maison mais je crois savoir que dessiner le plan de sa maison en 3D, ça passe encore par un logiciel assez lourd à installer + une licence, sans oublier l'interface façon Micro Applications de 2003 (qui s'en souvient ??). C'est pourquoi Aymeric Rabot et Wassim Samad ont pris le problème autrement avec Pascal Editor, un éditeur de bâtiments 3D qui tourne simplement dans un onglet de navigateur. Et en plus, c'est gratuit, open source (licence MIT) et surtout sans inscription.

Vous tracez les murs à la souris, puis viennent les zones, les dalles, les plafonds et les toits. Les portes et les fenêtres sont paramétriques, posez-les sur une cloison, la découpe se fait toute seule en géométrie booléenne via three-bvh-csg. Le mobilier s'accroche au sol, au mur ou au plafond selon l'objet ( allez regarder cet exemple ! )

Si vous faites du pixel art, voilà un petit outil qui devrait vous plaire. Pix 2D to 3D prend votre sprite et vous le transforme en modèle 3D voxelisé au format .obj, importable direct dans Blender, Unity ou Godot. Pas la moindre trace d'IA là-dedans, uniquement des maths, et son dev Prashant bosse chez Snaptrude sur du logiciel 3D, donc autant vous dire qu'il maîtrise.

L'idée, c'est de vous épargner la modélisation quand vous montez un jeu en 3D iso ou un 2.5D et qu'il vous manque juste trois caisses et un tonneau pour meubler le décor. Vous dessinez le sprite, vous le passez dans l'app et hop, l'objet 3D ressort de l'autre côté.

Vous avez 4 modes selon ce que vous lui donnez à manger, plus un réglage Auto qui devine le format tout seul en regardant les proportions de votre image.

Single voxelise un sprite unique. Single + Repeated le répète sur les 4 côtés en l'extrudant sur la profondeur de votre choix. Dual accepte une planche à 2 vues (face et dos). Et mon préféré, Quad, avale carrément une planche de 4 vues alignées à l'horizontale dans un ordre bien précis : gauche, face, droite, dos. Résultat, un objet complet visible à 360°.

Si c'est sur ce dernier mode que vous voulez partir, sachez que le développeur conseille de passer par la fonction d'export de Frame d' un éditeur de sprites plutôt que de tout vous taper à la main.

L'interface de Pix 2D to 3D, avec le sélecteur de mode et les réglages de profondeur

L'algorithme calcule l'épaisseur des pixels en fonction de leur distance au bord, et les flancs sont arrondis pour une transition douce. L'outil modifie également les bords pour un effet plus naturel, en supprimant progressivement des voxels, ce qui évite l'aspect rigide et artificiel.

Du coup, pas de GPU qui chauffe, rien à installer à part l'app. Après cet outil est un convertisseur géométrique, pas un devin, hein donc à vous de bien gérer l'alignement du dessin dans les cases au départ. Sur Windows, la dernière pre-release est disponible par contre, pour macOS, il faut utiliser la version précédente et sous Linux, ça se compile facilement avec Go, Node, GTK3 et WebKit2GTK.

En tout cas, pour des formes simples et plutôt rondes, j'ai trouvé le rendu assez bluffant. Maintenant, si vous préférez rester dans votre éditeur, Pixelorama dispose de sa propre extension de voxélisation, mais sans le mode à 4 vues. Et pour vous rendre compte de ce que donnent des sprites voxélisés à grande échelle, je vous invite à jeter un œil à ce mod voxel de Duke Nukem 3D qui vaut vraiment le coup d'œil.

C'est par ici que ça se passe !

Une équipe issue de l'université de Berkeley vient de publier OpenCAL, une version libre et documentée d'une technique d'impression 3D qui ne ressemble à rien de ce qu'on connaît, et le projet est désormais reproductible chez soi avec des composants qu'on trouve dans le commerce.

Le principe porte un nom un peu barbare, la lithographie axiale calculée (Computed Axial Lithography, ou CAL), mais l'idée derrière est étonnamment simple.

Une imprimante 3D classique à résine fabrique un objet en empilant des centaines de tranches horizontales, l'une après l'autre, comme on poserait des feuilles de papier les unes sur les autres jusqu'à obtenir un volume. C'est lent, et chaque couche laisse une petite marque parfois visible.

La CAL fait l'inverse. Au lieu de découper l'objet en strates, elle projette de la lumière dans un petit récipient de résine liquide qui tourne lentement sur lui-même, et l'image projetée change en permanence selon l'angle de rotation.

Cette technique reprend en fait le fonctionnement d'un scanner médical, mais à l'envers. Un scanner prend une multitude de clichés d'un corps sous tous les angles pour reconstituer une image en volume. Ici, on part de l'objet en 3D et un logiciel calcule toutes les projections à renvoyer dans la résine pendant qu'elle tourne.

Là où la lumière s'accumule suffisamment, la résine durcit. Partout ailleurs, elle reste liquide. Et comme le calcul concentre l'énergie sur l'ensemble du volume en même temps, la pièce entière se solidifie d'un coup, en quelques dizaines de secondes parfois, là où une imprimante normale mettrait de longues minutes voire des heures.

Pas de couches, donc pas de stries, pas de film FEP à changer (cette membrane transparente au fond des bacs à résine qui s'use vite), et aucun de ces cycles d'arrêt et de redémarrage qui ralentissent les machines habituelles.

La technologie n'est pas nouvelle, elle est née vers 2019 d'une collaboration entre Berkeley et le laboratoire de Lawrence Livermore, mais elle restait cantonnée à la recherche, hors de portée du grand public. C'est tout l'intérêt d'OpenCAL.

Le projet propose désormais une documentation tout à fait complète, un dépôt GitHub avec tout le code source, les plans pour monter la machine et même la recette pour mélanger soi-même la résine adaptée. Le logiciel tourne sur un simple Raspberry Pi et la lumière vient d'un vidéoprojecteur grand public, en l'occurence ici un NexiGo Nova Mini.

Le tout est publié sous licence GPL3, libre pour un usage non commercial, recherche et éducation. L'équipe travaillait surtout sur un serveur Discord avant de tout formaliser proprement.

Une réserve quand même, et elle est importante. La résine maison repose sur des produits photochimiques toxiques, et la documentation ne s'en cache pas. Pour ceux qui préfèrent éviter de manipuler ça, un partenariat avec FormLabs propose une résine prête à l'emploi.

Côté qualité, la résolution reste comparable à celle de vieilles imprimantes à résine, rien de spectaculaire. Mais la vitesse, elle, n'a rien à voir.

Bref, voir une technologie de labo digne d'un réplicateur de Star Trek atterrir sur un Raspberry Pi et un projecteur à moins de 200 euros, c'est quand même bien sympa.

Source : Hackaday

C'est la Software Freedom Conservancy (SFC), l'ONG américaine qui défend les licences libres, qui a sorti l'affaire. Bambu Lab, l'un des plus gros fabricants d'imprimantes 3D grand public du moment, viole l'AGPLv3 depuis environ quatre ans selon l'organisation. Pas qu'un peu donc.

Pour comprendre l'histoire, il faut savoir que Bambu Studio, le slicer maison de la marque (c'est le logiciel qui transforme un modèle 3D en instructions de découpage pour l'imprimante), est en réalité un dérivé de PrusaSlicer, lui-même basé sur Slic3r.

Les deux sont sous licence AGPLv3, ce qui oblige toute boîte qui distribue un logiciel dérivé à publier son code source dans la même licence. Du coup, Bambu Studio aurait dû suivre les mêmes règles depuis le début.

Sauf que voilà, le SFC pointe deux violations très claires. D'abord, une bibliothèque maison appelée libbambu_networking, qui gère toute la communication entre le slicer et les serveurs cloud de Bambu, n'a jamais vu son code publié. La marque reconnaît même son existence dans son propre README sur GitHub. Pire encore, quand le développeur Paweł Jarczak a sorti une version modifiée d'OrcaSlicer (un fork concurrent, c'est-à-dire une copie communautaire améliorée) qui restaurait certaines fonctions cloud bloquées par Bambu, l'entreprise lui a envoyé une mise en demeure pour faire retirer son projet.

C'est la deuxième violation selon le SFC, parce que l'AGPLv3 interdit explicitement d'ajouter des restrictions supplémentaires à ce que la licence autorise. En clair, Bambu n'a pas le droit d'invoquer ses conditions d'utilisation pour empêcher quelqu'un d'exercer les droits que la licence donne. 

Côté riposte, le SFC a lancé un projet baptisé baltobu. Trois objectifs : refaire la fameuse bibliothèque à partir de zéro par reverse-engineering (démonter le code propriétaire pour le réécrire proprement), maintenir le fork OrcaSlicer de Jarczak, et créer un remplaçant complet de Bambu Studio. Une levée de fonds visant 250 007 dollars, ouverte jusqu'au 17 juillet, a déjà atteint son premier objectif pour financer des employés à ce travail sur le long terme. Si la cagnotte va au bout, de nouveaux employés pourront rejoindre le projet.

Bambu Lab a réagi du bout des lèvres. L'entreprise a publié un message reconnaissant que sa référence à des conditions d'utilisation et à une potentielle mise en demeure ait pu être perçue comme une menace légale, ce qu'elle regrette. Pas de modification réelle de la pratique pour autant. La bibliothèque reste fermée, et les pratiques cloud restent les mêmes.

Bref, une marque grand public qui surfe sur les briques open source sans en respecter les règles, ça finit toujours par se voir.

Source : Itsfoss

Nos confrères de chez Phoronix ont publié un comparatif des performances du tout nouveau Ryzen 9 9950X3D2 d'AMD sous deux systèmes : Windows 11 et Ubuntu 26.04 LTS. Le verdict est sans appel, Linux prend une avance très nette sur Windows sur la majorité des charges de travail testées.

Petit point pour ceux qui décrochent dès qu'on parle de processeur. Le 9950X3D2, c'est une variante Dual Edition du processeur haut de gamme d'AMD pour le grand public. Elle embarque 16 cœurs, 32 threads, et surtout une particularité plutôt rare : une mémoire cache 3D (le V-Cache, une couche de mémoire ultra-rapide empilée physiquement sur la puce) présente sur les deux blocs de cœurs, là où les versions précédentes n'en avaient que sur un seul.

En pratique, les deux moitiés du processeur peuvent piocher dans une grosse réserve de mémoire rapide, ce qui accélère pas mal de calculs gourmands.

Phoronix a fait tourner ses batteries de benchmarks habituelles : compilation de code, encodage vidéo, calcul scientifique, rendu 3D, base de données. Sur la majorité de ces tests, Ubuntu 26.04 arrive devant Windows 11, parfois de quelques pourcents, parfois beaucoup plus selon la charge. Quand on additionne tout, ça donne une moyenne nettement à l'avantage du pingouin.

C'est un constat qui revient quasi à chaque test du genre depuis plusieurs années. Linux fait souvent mieux tourner les processeurs serveur ou les CPU multi-cœurs musclés que Windows, notamment parce que son ordonnanceur (le bout du système qui décide quel programme tourne sur quel cœur et à quel moment) est plus malin avec les architectures complexes.

AMD, avec son design en deux blocs séparés et son cache 3D asymétrique, est typiquement le genre de processeur où ça compte vraiment.

Côté Windows, c'est un peu toujours la même histoire. Microsoft a fait des efforts ces dernières années pour mieux gérer les Ryzen, mais le système traîne encore quelques inefficacités et un fond plus lourd. Pour un gamer pur, ça n'a probablement pas grand impact. Mais pour un développeur, un créateur de contenu ou quelqu'un qui compile son propre code, l'écart commence vraiment à avoir du sens.

On peut d'ailleurs se demander si AMD finira par sortir une version officiellement labellisée Linux. Pour l'instant, rien d'annoncé. Mais bon, qu'un constructeur grand public reconnaisse explicitement que son matos tourne mieux sous Linux serait déjà une petite révolution culturelle.

Source : Phoronix

Orhun Parmaksız, l'un des principaux mainteneurs de Ratatui (une bibliothèque Rust très utilisée pour créer des interfaces texte dans le terminal), vient de sortir un projet qui sort vraiment des clous.

Ça s'appelle Ratty, c'est donc un émulateur de terminal capable d'afficher des objets 3D, des sprites animés et des modèles complets en plein milieu de votre ligne de commande.

Waiting in line at a theme park is one of those unavoidable experiences that nobody designs for enthusiastically. The physical infrastructure exists, the rope lines are laid out, and in the best-case scenario, there’s some signage or ambient music to occupy the time. But the queue is fundamentally dead space, a stretch of minutes that happens before the experience begins rather than as part of it. That’s a design problem, and most parks accept it as one that can’t really be solved.

Samsung’s Spatial Signage installation at Everland in South Korea offers a different answer. At the newly renovated Safari World: The Wild attraction in Yongin, the company installed its glasses-free 3D display directly in the queue area, where life-scale tigers and lions appear to surge toward visitors without so much as a pair of 3D glasses required. The wait effectively becomes the opening act.

Designer: Samsung

The technology making that possible is Samsung’s patented 3D Plate system, which uses binocular parallax to deliver separate images to each eye, tricking the brain into perceiving depth the same way it does when looking at real objects at real distances. Unlike the boxy, space-hungry installations that most 3D signage has historically required, the Spatial Signage display slots into the queue corridor in an 85-inch, portrait-oriented panel with a 52 mm profile. There’s nothing protruding into the space, and no hardware for visitors to interact with.

The content for the Everland installation was developed by Klleon, whose team prioritized capturing the natural movement rhythms of the animals rather than exaggerated cinematic effects. The result is a quality of realism that works specifically because of the environment: a queue is typically a narrow, enclosed space where visitors are already looking forward and standing relatively still, which happens to be exactly the viewing geometry where the 3D depth effect lands best.

What that means practically is that the queue line stops being something guests endure and starts being something they talk about. Anticipation for an attraction is one of the least exploited moments in the theme park visit. Visitors heading toward Safari World already have the right frame of mind for a wildlife encounter, and the display capitalizes on that readiness by delivering a preview of that encounter before anyone boards a vehicle or rounds a corner.

The broader implication is about how display technology fits into destination entertainment design. For years, attractions have used projection mapping, animatronics, and theatrical sets to build immersion during rides and shows, but the queue almost always remains a visual afterthought. A display that can occupy a narrow corridor at wall depth, require no headgear, and show content at true-to-life scale without any spatial awkwardness changes what’s possible in that format.

Everland isn’t a retail shelf or a shopping center atrium. The animals aren’t selling anything. They’re there because a flat screen in that corridor would register as background noise, and a three-dimensional tiger at eye level does not. That distinction, between content that is present and content that actually commands attention, is the problem Spatial Signage was built to solve, and the queue turned out to be a rather fitting test.

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The 3D printing community has spent years trying to prove that a printer can produce more than desk trinkets and cable organizers. Lighting has always been the harder sell, where aesthetics and function have to work together in ways that cheap plastic usually undermines. The better designers in that space have been quietly closing that gap, and the results are starting to look like things you’d want to live with.

OHR Design, a Canadian 3D printing studio, is a good example of what that progress looks like. Its Armadillo series takes inspiration from one of nature’s most recognizable shapes, the segmented, overlapping bands of the armadillo shell, and turns it into a lamp shade that adjusts depending on how much, or how little, light you want in a room. And it all started from a tea light holder.

Designer: OHR Design

The original Armadillo grew from an earlier OHR Design called the OHRB, and it’s since inspired a whole family of spin-offs. True to its origins, the Armadillo wraps a tea light in a series of concentric rings that tilt forward to close the shade down or pull back to widen it. At 240mm tall, it’s compact enough for a bedside table or a bookshelf without demanding much real estate.

For those who want the same aesthetic energy at a bigger scale, the Armadillo XL scales the concept up into a proper desk lamp. At 373.8mm tall and 283.9mm wide, it makes a statement on a desk without being overwhelming. It accepts a real light bulb rather than a tea light, making it far more practical for anyone who actually needs their lamp to pull its weight.

What gives both versions their character is the adjustable ring system. The segmented shade isn’t just decorative; opening and closing the rings changes how the light spreads through the room, softening the glow when the rings are fully open or concentrating it when they’re pulled shut. It’s the kind of thing that turns a simple on/off appliance into something you keep reaching over to tweak.

What’s equally interesting is how OHR Design sells these. You aren’t buying a finished lamp; you’re buying the STL files to print one yourself. The original Armadillo fits on a 180mm × 180mm print bed, making it accessible on smaller machines like the Prusa Mini or Bambu Lab A1 Mini. The Armadillo XL, being larger, requires a 256mm × 256mm build volume.

The filament choice is entirely yours, which means the lamp can be as neutral or as bold as you want. OHR Design has been spotted using Overture’s Super PLA+ in various colors, from muted naturals to vivid hues, all of which change how the diffused light reads. Not many lamps invite you to physically shape the light they cast, and fewer still can be reimagined entirely based on the color spool you have on hand. The Armadillo family puts creative control squarely in the hands of whoever prints it, and that’s a genuinely refreshing place to land.

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Every time you type a prompt into ChatGPT, something happens somewhere far away. Servers spin up. Electricity moves. Carbon gets generated. The whole transaction is so clean and invisible on your end that it might as well not be happening. That’s by design, and it’s worth thinking about. Although with the way we use technology these days, we seldom think about the consequences on our environment.

London-based creative studio Oio wants to change that, starting with a small 3D-printed box and a bright yellow pinwheel. Their project, the Hot Air Factory, is a domestic AI device that processes your questions and requests locally, without connecting to the cloud, and every time it thinks, it physically exhales. Hot air pushes out of the top of the device and spins that cheerful little pinwheel. The harder it thinks, the faster it spins. You’re watching computation happen in real time, which turns out to be a surprisingly powerful thing.

Designer: Oio

The concept is simple: make the invisible visible. We know AI uses energy. We’ve read the headlines. But knowing abstractly that data centers are energy-hungry is different from watching a pinwheel turn every time you ask your AI assistant to summarize something. One is a statistic. The other is a moment of honest accountability.

What makes the Hot Air Factory smart, beyond its obvious design appeal, is how it translates cost into human-readable terms. It doesn’t give you kilowatt-hours because most people have no idea what that means. Instead, it tells you something like “that prompt cost the equivalent of brewing a cup of tea” or “watching Netflix for five minutes.” Suddenly the math becomes personal. Suddenly you start wondering whether you really needed a 500-word AI response to a question you could have Googled.

Oio co-founder Matteo Loglio describes it as “a small, domestic AI that reveals the hidden energy cost behind every prompt.” The factory also lets you dial up or down the level of intelligence it uses. Want a quick answer? Use a lighter model, spend less energy. Need something more complex? Crank it up, and watch that pinwheel work for it. You can even schedule your heavier prompts for the night shift, when energy is cleaner and the grid is quieter. These are design decisions that carry real ethical weight, and they’re baked in with zero condescension.

The playfulness and the seriousness aren’t in conflict here. They’re exactly the point. The Hot Air Factory is built in a Frutiger Aero visual language, all soft curves and clean optimism, the kind of aesthetic that makes you want to put it on a shelf next to your plants. But underneath that approachable exterior is a genuinely complicated machine running open-source large language models on a local GPU. It looks like something a friendly robot would carry. It functions like a small act of protest.

AI companies have very little incentive to make their energy costs legible to users. Invisibility is convenient. It keeps things frictionless. It keeps you prompting without thinking about the bill. A report from the US Department of Energy projected that by 2028, data centers could account for 12% of total electricity consumed in the US. That’s not a small number, and it keeps growing every time we treat AI like it runs on good intentions and cloud magic.

The Hot Air Factory isn’t saying AI is bad. It isn’t demanding you stop using it. What it’s doing is quieter and more persuasive than that. It’s asking you to look. To see. To feel, just a little, what your digital habits cost in the physical world. That’s the argument made not through a lecture or a campaign, but through a yellow pinwheel spinning in your living room.

Design can do that. Sometimes a small, well-made object says more than a policy paper ever could. The Hot Air Factory is currently looking for collaborators to help bring it to a wider audience, still working its way from experiment to something anyone can own. If the goal is conscious computing, the first step might just be this: a tiny box, a spinning fan, and the quiet discomfort of watching a machine breathe.

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James Gullberg a mis en ligne un projet de bras robotique à 6 axes, principalement imprimé en 3D et conçu pour apprendre la robotique. Ce petit robot embarque un Raspberry Pi, des microcontrôleurs STM32 et tourne sous ROS 2.

Le tout pour un budget qui reste accessible, avec des mouvements décrits comme étonnamment fluides pour du fait maison.

Un bras robot signé James Gullberg

James Gullberg a publié sur son site un projet qui risque de plaire aux bricoleurs : un bras robotique compact à 6 degrés de liberté, dont la structure est quasi intégralement imprimée en 3D. Seuls les systèmes d'entraînement font appel à des pièces métalliques.

Le projet est pensé comme un outil pédagogique. On n'est pas sur un robot industriel, mais sur une plateforme d'expérimentation qui permet de toucher à la conception mécanique, à la planification de mouvement et au contrôle logiciel.

Six axes, un Raspberry Pi et ROS 2 sous le capot

Côté mécanique, chaque articulation a droit à son propre système de réduction. La base utilise un réducteur planétaire classique, tandis que l'épaule et le coude embarquent des réducteurs planétaires à anneau fendu, qui offrent une densité de couple élevée par rapport à leur encombrement.

Le poignet s'appuie sur un différentiel à courroie inversé. Pour le retour de position, des aimants alternés sont intégrés directement dans la couronne de sortie et suivis par un encodeur magnétique.

Un microcontrôleur STM32 gère le contrôle moteur avec des boucles PID et de la génération de pas. Un Raspberry Pi fait office d'ordinateur de bord et communique avec les moteurs via un bus CAN. Le tout tourne sous ROS 2.

Le résultat est visiblement assez bluffant : les vidéos montrent des mouvements fluides, bien loin de ce qu'on pourrait attendre d'un projet fait maison.

Apprendre la robotique sans se ruiner

Ce projet rejoint une vague de bras robotiques open source accessibles. On pense au Thor, au HELENE ou encore au BCN3D Moveo. Mais celui de Gullberg se distingue par la variété des mécanismes employés. Chaque articulation utilise un design différent, et c'est voulu : le but est d'expérimenter, pas de produire en série.

Côté budget, on ne connaît pas le coût exact, mais les composants restent a priori sur des montants franchement raisonnables, puisqu'on parle là d'un simple STM32, d'un modeste un Raspberry Pi, e quelques moteurs et bien évidemment du filament pour imprimante 3D. Bref, on est loin des prix d'un kit de robotique du commerce.

Ce mini bras robotique coche quand même beaucoup de cases. Il est ouvert, documenté, modulaire, et il permet de toucher à des concepts qui coûtent habituellement une fortune en formation.

Source : JCGullberg

Un maker français a fabriqué une station météo miniature avec une interface façon Windows 95, logée dans un boîtier imprimé en 3D en forme de vieux moniteur cathodique. Le projet tourne sur une carte ESP32 à une quinzaine d'euros et récupère la météo en temps réel via Wi-Fi. Prévisions, vent, images satellite, tout y est.

Un mini écran façon années 90

Jordan Blanchard a publié son projet sur Hackaday.io et le résultat a de quoi plaire aux nostalgiques. L'interface reprend les codes visuels de Windows 95 : fenêtres avec barres de titre, panneaux biseautés, typographie pixelisée.

On y retrouve la météo du jour, les prévisions heure par heure, la vitesse du vent avec boussole, et même des images satellite et radar. Le tout sur un écran TFT de 2,8 pouces en 320 x 240 pixels, ce qui colle parfaitement au style rétro.

Amis crafteurs, préparez-vous à voir votre monde d'une toute nouvelle façon car il est désormais possible de recréer votre ville, votre quartier ou même la Cathédrale de Clermont-Ferrand dans Minecraft (Java ET Bedrock) avec une précision chirurgicale. C'est ce que permet de faire Arnis , un projet open source vraiment très cool.

Développé en Rust, Arnis fait le pont entre notre bonne vieille Terre et l'univers cubique de Minecraft en exploitant tout simplement la puissance d'OpenStreetMap. Pour rappel, c'est une formidable base de données cartographique collaborative qui recense routes, bâtiments et points d'intérêt du monde entier.

Le principe est donc simple mais efficace : vous sélectionnez une zone géographique avec l'outil de sélection intégré, vous choisissez votre monde Minecraft (de préférence un monde plat), et Arnis se chargera automatiquement de :

1. Récupérer les données géographiques via l'API Overpass
2. Convertir ces informations en coordonnées Minecraft
3. Traiter les éléments par ordre de priorité pour éviter les conflits
4. Générer une couche de sol adaptée avec les données d'élévation
5. Construire les structures bloc par bloc
6. Sauvegarder le tout dans votre monde

La beauté d'Arnis réside dans sa capacité à retranscrire les moindres détails. Les bâtiments conservent leurs proportions, les routes suivent leur tracé réel, et même les zones vertes sont fidèlement reproduites. Le système gère intelligemment les bâtiments avec leur hauteur relative, les routes et autoroutes, les espaces verts et plans d'eau, les points d'intérêt particuliers et tout ce qui est fontaines et structures spéciales.

Niveau personnalisation, Arnis propose également :

• Un mode Hiver pour transformer votre zone en paysage enneigé
• Un facteur d'échelle pour ajuster la taille de votre génération
• Un réglage de la hauteur du sol pour définir l'altitude de base
• Un Timeout Floodfill pour contrôler le temps de génération des zones d'eau
• Et une BBOX personnalisée permettant d'entrer manuellement les coordonnées de la zone désirée

D'ailleurs, la version 2.5 sortie en février 2026 (baptisée "Metropolis Update") a apporté pas mal de nouveautés bien senties. Déjà, Arnis supporte maintenant Minecraft Bedrock en plus de Java, du coup ça marche aussi sur console et mobile. Ensuite, le générateur intègre les données d'élévation pour un terrain réaliste avec de vraies collines et vallées... plus besoin de se contenter d'un monde plat. Et le truc franchement cool, c'est la génération d'intérieurs de bâtiments avec du mobilier. Pour les grosses zones ou si vous êtes sur mobile, y'a aussi MapSmith, une alternative qui tourne directement dans le navigateur.

Pour tirer le meilleur parti d'Arnis, vous devrez utiliser Minecraft 1.17 minimum (Java) ou la dernière version Bedrock, initialiser un monde tout plat pour éviter les conflits de terrain, et une fois la génération terminée, vous n'aurez plus qu'à vous téléporter aux coordonnées 0 0 0 (/tp 0 0 0). Pensez à explorer vers les X et Z positifs si vous ne voyez rien immédiatement et si vous êtes sur Windows, installez l'Evergreen Bootstrapper de Microsoft si nécessaire.

La communauté bosse activement sur le projet. Et si vous voulez pas installer Rust et compiler, y'a des binaires prêts à l'emploi sur la page des releases . Hop, on télécharge, on lance, et on se balade dans son quartier version cubique !

Article publié initialement le 11 février 2025 et mis à jour le 19 mars 2026.

Un YouTubeur bricoleur a fabriqué un micro-drone de 136 grammes capable de filer à 108 km/h, le tout pour environ 155 dollars de composants et une imprimante 3D. Le petit engin baptisé ESP-Blast tient dans la main, utilise un microcontrôleur ESP32 à quelques dollars et un châssis en plastique PETG. Le créateur compte partager tous les fichiers en open source pour que chacun puisse le reproduire.

Un drone qui tient dans la main

Le créateur, connu sous le nom de Max Imagination sur YouTube, s'est inspiré de deux équipes qui se disputent le record du drone RC le plus rapide au monde, avec des vitesses qui dépassent les 660 km/h. Son objectif à lui était plus modeste : construire un drone de poche performant avec des composants accessibles à tous.

La Station Spatiale Internationale file à 28 000 km/h au-dessus de nos têtes, et y'a un mec qui a décidé de suivre ça en direct depuis un petit écran 3.5 pouces posé sur un Raspberry Pi 3b. Le projet s'appelle ISS Tracker , c'est open source, et franchement... c'est plutôt classe !

Concrètement, l'écran affiche un globe terrestre en 3D qui tourne, avec la position de l'ISS en temps réel. Latitude, longitude, altitude, vitesse, et même la région survolée. En fait, la position est récupérée toutes les 30 secondes via des APIs gratuites et interpolée entre les mises à jour pour que le rendu reste fluide. Vous branchez le câble micro-USB, vous attendez le boot, et ça tourne tout seul !

L'ISS Tracker monté au mur, façade alu et globe 3D sur l'écran

Côté matos, c'est sobre : un Pi 3b (ou plus récent), un écran LCD Waveshare 3.5 pouces qui se clipse directement sur le GPIO, et un interrupteur à bascule optionnel. Celui-là, c'est la petite touche sympa effet NASA. En un coup de "switch", vous passez ainsi du tracking orbital à la liste des astronautes actuellement en orbite, groupés par vaisseau. Du coup vous savez qui est là-haut en ce moment, et dans quel engin (merci Lorenper).

Mais le truc vraiment cool dans ce projet, c'est le boîtier. Filbot a imprimé la structure en 3D avec du PLA renforcé carbone (les fichiers STL sont sur MakerWorld ), puis a fraisé la façade en aluminium sur sa CNC personnelle. Plus d'une heure d'usinage pour une plaque (les vrais machinistes pleurent ^^) et la cerise sur la Lune (non c'est pas une hallucination IA, c'est juste que je suis fou) c'est qu'il a séché la peinture dans la chambre chauffée de son imprimante 3D. L'IA qu'il a utilisée pour le guider lui a dit que c'était du génie... on va pas la contredire.

Pour la touche finale, une décalcomanie en transfert à l'eau avec le logo NASA "worm" et des données inventées pour faire officiel + le garde-interrupteur en alu style aviation qui protège le switch, c'est purement cosmétique mais ça envoie grave !

Le globe 3D en action avec la position de l'ISS et la télémétrie

Sous le capot, le globe est affiché sous forme de 144 frames pré-calculées avec Cartopy . Au premier lancement, comptez quelques minutes sur un Pi 3b pour générer le cache et ensuite ça démarre en 3 secondes. Par contre, attention, il faut augmenter le buffer SPI à 307 200 octets parce que le défaut de 4 Ko est beaucoup trop petit pour pousser des frames complètes sur l'écran. Oubliez pas ça, sinon l'affichage ne marchera pas.

D'ailleurs, si vous voulez que l'engin tourne H24, y'a un service systemd fourni avec watchdog, auto-restart et limitation mémoire à 250 Mo. Notez que le fichier theme.toml permet de changer toutes les couleurs, polices et le layout sans toucher au code. Ambiance cockpit Boeing par défaut (labels verts, valeurs blanches sur fond noir), mais vous pouvez faire du cyan fluo si ça vous chante et que vous avez des goûts de chiottes ^^.

Les APIs utilisées sont toutes gratuites et sans clé : Where the ISS at? en principal, Open Notify en fallback. Pas d'inscription, pas de token, ça marche direct ! Et si vous aimez les projets Raspberry Pi dans cet esprit, vous pouvez jeter un œil au rover martien à imprimer en 3D ou aux talkies-walkies DIY à base de Pi.

Bref, de quoi kiffer ses soirées à regarder un point lumineux traverser le globe. C'est plutôt méditatif !

Source

Le navigateur 3D de Jurassic Park, vous savez, celui avec lequel Lex hackait le parc en 1993 pendant que les vélociraptors grattaient à la porte... bah quelqu'un vient de le recréer, mais pour Kubernetes.

Le projet s'appelle k8s-unix-system et c'est exactement ce que vous imaginez. Vos namespaces deviennent des îles flottantes roses, vos pods des blocs 3D colorés et vous naviguez dans le tout en vue FPS avec WASD + souris. Genre comme Quake, mais pour surveiller vos pods.

Les pods Kubernetes version Jurassic Park ( Source )

Un pod vert c'est un pod qui tourne, jaune c'est en attente, et rouge c'est erreur ou CrashLoopBackOff, bref le truc que personne n'aime voir. Le truc sympa, c'est que la hauteur des blocs augmente avec le nombre de restarts. Du coup, le pod qui galère depuis ce matin, c'est celui qui ressemble à une tour bien haute. Par contre, attention, les pods en erreur tremblent carrément (pas nerveux hein, c'est voulu) et les pods running bougent doucement... c'est plutôt zen je trouve.

Les nodes, eux, ne sont pas mélangés avec les namespaces. Ils ont leur propre île bleu foncé à part, avec des cubes cyan pour ceux qui sont Ready et rouge pour les NotReady. Survolez un node et hop, vous avez son nom, son statut, sa capacité CPU et sa RAM affichées dans un tooltip. Les services, eux, sont visualisés sous forme d'arcs cyan semi-transparents qui connectent les pods entre eux en topologie étoile. Tout fonctionne, suffit de demander, on l'a ! (reeeef ^^)

Les namespaces et nodes, chacun sur leur île ( Source )

Pour lancer le truc, un Docker one-liner suffit (attention quand même, ça monte votre kubeconfig en lecture seule dans le conteneur, donc à réserver au cluster de dev) :

docker run --rm -it -v ~/.kube/config:/root/.kube/config:ro -p 8080:8080 ghcr.io/jlandersen/k8s-unix-system:main

Vous ouvrez localhost:8080 dans Chrome et vous volez à travers votre cluster avec la barre espace pour monter, Ctrl pour descendre, Shift pour accélérer. Tout est en temps réel grâce à la Watch API K8s, du coup si un pod tombe pendant que vous survolez son île, vous le voyez passer au rouge direct. Finalement, c'est kubectl get pods mais en 100 fois plus fun.

C'est codé en Go côté serveur et Three.js pour la 3D dans le navigateur. Le dev derrière bosse chez LEGO (ça ne s'invente pas). Et d'ailleurs si vous êtes du genre à recycler vos smartphones en cluster , ça ferait un combo d'enfer pour frimer devant les collègues.

Bref, vous allez pouvoir enfin lâcher un « Je connais ce système... il fonctionne sous Unix ! » sans mentir.